11. October 2026. Taking inspiration from the ideas and imaginary emanating from Veronika Witte’s exhibition NOTHINGNESS IS FULL OF BODIES, ITINERANT INTERLUDE #696 responded with a work for disembodied voices. the sirens, created for the exhibition by Laurie Schwartz in close collaboration with Kinga Ötvös and Ángeles Rojas, references the sirens of antiquity to imagine sounds beyond conventional language. Here, the shruti box becomes a chorus of sirens filling the space, in which Ötvös is one siren among many, emerging and receding almost imperceptibly from the harmonic field, at times breaking out into solo flourishes. Their language of vocalizations, vowels, and changing formants is in continuous flux, capturing and merging with the harmonics of the chorus as they float among Witte’s “Liquid Identities”.

Moving from one space to the next, the voice, now electronically amplified and modified, breathes, growls, and whispers in unintelligible, half-voiced languages, the body barely visible among Witte’s “Ghosted Bodies”. Attempting without success to enter into dialogue with the more minimal, electronic-sounding notes of the shruti, the voice ultimately falls quiet, allowing the microphone alone to capture the harmonics of the shruti and diffuse them throughout the space in a final, fragile communion.

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Inspiriert von den Ideen und Vorstellungswelten, die von Veronika Wittes Ausstellung DAS NICHTS IST VOLLER KÖRPER ausgehen, antwortete ITINERANT INTERLUDE #696 mit einer Arbeit für körperlose Stimmen. the sirens, für die Ausstellung von Laurie Schwartz in enger Zusammenarbeit mit Kinga Ötvös und Ángeles Rojas geschaffen, greift die Sirenen der Antike auf, um Klänge jenseits herkömmlicher Sprache zu imaginieren. Die Shruti Box wird hier zum Chor der Sirenen, der den Raum erfüllt. Ötvös ist eine Sirene unter vielen, taucht aus dem harmonischen Feld auf, verliert sich wieder darin und bricht zeitweise in solistische Ausschweifungen aus. Ihre Sprache aus Vokalisationen, Vokalen und wechselnden Formanten befindet sich in stetigem Fluss, nimmt die Obertöne des Chors auf, verschmilzt mit ihnen und schwebt dabei inmitten der Skulpturen von “Liquid Identities”.

Im Übergang von einem Raum zum nächsten atmet, knurrt und flüstert die Stimme, nun elektronisch verstärkt und verfremdet, in unverständlichen, halb stimmhaften Sprachen, der Körper kaum sichtbar im Raum von “Ghosted Bodies”. Vergeblich versucht sie, mit den minimalen, elektronisch klingenden Tönen der Shruti Box in Dialog zu treten, bis sie schließlich verstummt und das Mikrofon allein die Obertöne der Shruti Box aufnimmt und im Raum verteilt, in einer letzten, zerbrechlichen Kommunion.

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28 May 2026. For ITINERANT INTERLUDE #18, Ana Kavalis and Emilio Gordoa took a deep dive into the mechanics and aesthetics of CUBATURE: The Art Game. Rather than illustrating the exhibition, they entered its world as a live activation of its logic. Drawing from the installation’s language, structures, and analog game aesthetics, the performance unfolds as a shifting dialogue between body, rhythm, instruction, and resistance. Movement and sound are not polished into seamless illusion; instead, they retain the texture of process — improvised, tactile, and materially present. The cube, CUBATURE’s basic module, appears less as an object than as a condition: a physical and psychological space of repetition, containment, and projection, unfolding within a distinctly Lynchian universe. The body measures itself against invisible borders. Rhythms loop, collide, and reset. Percussion and electronics create systems that the dancer inhabits, resists, and rewrites in real time. As in the exhibition, rules exist, but they remain unstable; participation alters the outcome.

In CUBATURE, entering the cube means becoming part of the system: your presence changes image, rhythm, and outcome. But what if the participant refuses the role? What if improvisation itself becomes a form of disobedience? What if the game says live here — and the body answers: Who said I have to?

CUBATURE was created by the Polish Indie-Studio Cyber Kids on Real, Dominik Cymer and Oliwia Hajn.

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6. May 2026. For the opening of CRITICAL FRIENDS, Lorena Izquierdo presented a series of performative interventions that traversed the exhibition space, activating and destabilizing the logic of collecting. She questions how, as objects are extended beyond their original function, collecting becomes both a method and a subject of inquiry. Through voice, body, and audience interaction, the artist brought the impulse to preserve into tension with its absurd dimensions. Through accumulation, repetition, and displacement, the performance interrogated value, classification, and the urge to collect, revealing its invisible structures and inherent contradictions.

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Für die Eröffnung von CRITICAL FRIENDS präsentierte Lorena Izquierdo eine Reihe performativer Interventionen, die den Ausstellungsraum durchquerten und die Logik des Sammelns aktivierten und destabilisierten. Sie untersucht, wie das Sammeln – indem Objekte über ihre ursprüngliche Funktion hinaus erweitert werden – sowohl zur Methode als auch zum Gegenstand der Auseinandersetzung wird. Durch Stimme, Körper und Interaktion mit dem Publikum brachte die Künstlerin den Impuls des Bewahrens mit seinen absurden Dimensionen in Spannung. Mittels Akkumulation, Wiederholung und Verschiebung befragte die Performance Wert, Klassifikation und den Drang zu sammeln und legte dabei ihre unsichtbaren Strukturen und inhärenten Widersprüche offen.

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17 April 2026. While the works by Friederike Feldmann & Paul McDevitt transformed the Kunstverein galleries into an active visual field where image, gesture, and environment converged, ITINERANT INTERLUDE #417 extended this transformation into the sonic realm. Through a series of performative interventions, Alexey Kokhanov and Natalia Pschenitschnikova explored the subtleties of multiphonic (overtone) singing, activating the exhibition as an acoustic field. Engaging directly with the architecture and responding to the works, they entered into dialogue with RENOVIEREN to create a complementary, harmonic space. As RENOVIEREN dissolved boundaries between image and architecture, Kokhanov and Pschenitschnikova blurred the line between the sound-producing body and acoustic space. The voice becomes both source and instrument, testing how surfaces and spatial volume reflect, absorb, and transform sound. The performances of RENOVATING, RESONATING turned the Kunstverein into a living auditory environment, forming omnidirectional sonic sculptures where sound unfolds as both process and atmosphere—shifting, circulating, and settling into the architecture, much like paint across a surface. The audience was invited to move, listen closely, and encounter sound in proximity: not as a distant event, but as something immediate, tactile, and shared. In a convergence of visual and sonic practices, the exhibition space is continuously redefined—not as a backdrop, but as an active participant in the production of perception.

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Während RENOVIEREN die Räume des Kunstvereins in ein aktives visuelles Feld verwandelte, in dem Bild, Geste und Umgebung ineinandergreifen, führte ITINERANT INTERLUDE #417 diese Transformation in den klanglichen Raum fort. In einer Reihe performativer Interventionen erkunden Alexey Kokhanov und Natalia Pschenitschnikova die Feinheiten des multiphonischen (Oberton-)Gesangs und aktivieren die Ausstellung als akustisches Feld. Im direkten Bezug mit der Architektur und in Reaktion auf die Werke treten sie in einen Dialog mit RENOVIEREN und schaffen einen ergänzenden harmonic space. Während RENOVIEREN die Grenzen zwischen Bild und Architektur auflöste, verwischten Kokhanov und Pschenitschnikova die Trennung zwischen dem klangerzeugenden Körper und dem akustischen Raum. Die Stimme wird zugleich Quelle und Instrument und erprobt, wie Oberflächen und Raumvolumen Klang reflektieren, absorbieren und transformieren. Die Performances von RENOVATING, RESONATING verwandelten den Kunstverein in eine lebendige Hörumgebung, formten omnidirektionale Klangskulpturen. Klang entfaltet sich als Prozess und Atmosphäre – er bewegt sich, zirkuliert und setzt sich in der Architektur ab, ähnlich wie Farbe auf einer Oberfläche. Das Publikum wurde eingeladen, sich zu bewegen, genau zuzuhören und Klang in unmittelbarer Nähe zu erfahren: nicht als fernes Ereignis, sondern als etwas Direktes, Taktiles und Geteiltes. Im Zusammenspiel visueller und klanglicher Praktiken wird der Ausstellungsraum fortwährend neu definiert – nicht als bloße Kulisse, sondern als aktiver Bestandteil der Wahrnehmungsproduktion.

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3 July 2026. Brass fanfares and evolving sonic formations wound their way through the spacious halls of CANK for ITINERANT INTERLUDE #48, as shifting performances by Ensemble Apparat dissolved the boundaries between sound, movement, and space. Created especially for OUT/SIDE/IN, the program opened with FANFARES FOR 48 by Laurie Schwartz and continued with new works by Ensemble Apparat that probed the limits of resonating bodies in space.

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Blechbläser-Fanfaren und sich entwickelnde Klanggebilde wanden sich durch die weitläufigen Hallen des CANK bei ITINERANT INTERLUDE #48, während wandelbare Performances des Ensemble Apparat die Grenzen zwischen Klang, Bewegung und Raum auflösten. Das eigens für OUT/SIDE/IN entstandene Programm begann mit FANFARES FOR 48 von Laurie Schwartz und setzte sich mit neuen Arbeiten des Ensemble Apparat fort, die die Grenzen schwingende Körper im Raum auslotete.

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3 April 2025. The works created for ITINERANT INTERLUDE #12.82 by vocalist/composers Dina Maccabee & Evelyn Saylor consider aspects of INVISIBLE WORK in ways that are both subtle and palpable. Indeed all of the compositions presented in this program are based on a formidable amount of invisible work in their conception and preparation. Whether in playful, acrobatic dialogues or in delicate fluctuations of tone, these performances aim to make unseen processes audible, revealing the way music is actually put together. The two vocalists sound as one body in each of the three pieces, while offering a different take on the delightfully disorienting effects of imitation, mirroring, and delay:

Ha Na Hu investigates the “hocket” effect, a 13th century compositional technique, with a series of short rhythmic figures repeated identically and offset by a second voice. Neither voice can claim to own the “true” pulse, as the patterns briefly align, and diverge again.

Upswell employs a shruti box (a bellows-operated drone instrument) and viola in addition to the two voices. The work grows out of a regular practice of singing long tones with special attention to tuning and frequency relationships and from a fascination with the magical effects of harmonic movement. With each gesture, it is never absolutely clear where and when the voices are to be found in the mesh of sound – are they audible or inaudible – until they ultimately break free.

The inspiration for the final piece, Leapfrog comes from the “Waulking” songs – traditional Scottish folk tunes sung by groups of women while fulling (felting) wool cloth. The work is about finding joy in the unseen labor hidden behind all of our everyday objects – starting from freely frolicking vocal motifs to gradually discover new colors and textures ranging from animal to mechanical.

Soon after starting to sing together, Maccabee and Saylor discovered the ability to achieve a striking similarity in their vocal timbres. This rare occurrence of vocal “twins” has yielded endless opportunities for playing with an uncanny vocal mirror, and has inspired pieces such as the ones they presented for INVISIBLE WORK.

In keeping with the wide-ranging societal issues addressed by the exhibition INVISIBLE WORK, the number of this episode (#12.82) references the minimum wage in Germany (12.82 EUR) as of January 2025. INVISIBLE WORK. Pınar Öğrenci und Raman Tratsiuk was curated by Marta Smolińska.

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3 April 2025. Die Werke, die die Vokalisten/Komponisten Dina Maccabee & Evelyn Saylor für ITINERANT INTERLUDE #12.82 geschaffen haben, setzen sich auf ebenso subtile wie spürbare Weise mit Aspekten der UNSICHTBAREN ARBEIT auseinander. Tatsächlich basieren alle in diesem Programm vorgestellten Kompositionen auf einer beachtlichen Menge unsichtbarer Arbeit in ihrer Konzeption und Vorbereitung. Ob in spielerischen, akrobatischen Dialogen oder in zarten Tonschwankungen, diese Aufführungen zielen darauf ab, unsichtbare Prozesse hörbar zu machen und die Art und Weise, wie Musik tatsächlich zusammengesetzt wird, zu enthüllen. Die zwei Vokalistinnen klingen in jedem der drei Stücke wie ein einziger Körper wobei sie die verblüffend desorientierenden Effekte von Imitation, Spiegelung und Verzögerung auf unterschiedliche Weise darstellen:

Ha Na Hu erforscht den „Hocket“-Effekt, eine Kompositionstechnik aus dem 13. Jahrhundert, mit einer Reihe kurzer rhythmischer Figuren, die identisch wiederholt und von einer zweiten Stimme versetzt werden. Keine der beiden Stimmen kann den „wahren“ Puls beanspruchen, da sich die Muster kurzzeitig ausrichten und dann wieder auseinanderdriften.

Upswell verwendet zusätzlich zu den beiden Stimmen eine Shruti-Box (ein blasebalgbetriebenes Borduninstrument) und eine Bratsche. Das Werk entsteht aus einer regelmäßigen Praxis des Singens langer Töne mit besonderem Augenmerk auf Stimmung und Frequenzverhältnisse sowie aus einer Faszination für die magischen Effekte harmonischer Bewegung. Bei jeder Geste ist nie ganz klar, wo und wann sich die Stimmen im Klanggeflecht befinden – sind sie hörbar oder unhörbar – bis sie schließlich ausbrechen und freigesetzt werden.

Die Inspiration für das letzte Stück, Leapfrog, stammt von den „Waulking“-Liedern – traditionellen schottischen Volksliedern, die von Frauengruppen beim Walken (Filzen) von Wollstoffen gesungen werden. Bei Leapfrog geht es darum, Freude an der unsichtbaren Arbeit zu finden, die hinter all unseren Alltagsgegenständen verborgen ist – ausgehend von frei sprudelnden Vokal-Motiven, um nach und nach neue Farben und Texturen zu entdecken, die von tierisch bis mechanisch reichen.

Bald nachdem sie begonnen hatten, gemeinsam zu singen, entdeckten Maccabee und Saylor die Fähigkeit, eine verblüffende Ähnlichkeit in ihren Gesangsstimmen zu erreichen. Dieses seltene Phänomen von „Vokalzwillingen“ hat unzählige Möglichkeiten eröffnet, mit einem unheimlichen vokalen Spiegel zu spielen, und hat Werke inspiriert wie die, die sie für UNSICHTBARE ARBEIT präsentierten.

Im Einklang mit den weitreichenden gesellschaftlichen Themen, die in der Ausstellung UNSICHTBARE ARBEIT angesprochen werden, verweist die Nummer dieser Episode (#12.82) auf den Mindestlohn in Deutschland (12,82 EUR) ab Januar 2025. UNSICHTBARE ARBEIT. Pınar Öğrenci and Raman Tratsiuk wurde von Marta Smolińska kuratiert.

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9. September 2023. The performance work los anagramas was created especially for the exhibition The Passage of Amnesia by Laurie Schwartz, its title a reference to the anagrams and ideograms that pulse through Omar Barquet’s works. Using fragments from Francisco Hernandez’ poem Variaciones sobre el 5° melisma para Gunther Gerzso – an important source of inspiration for the show – the work expands upon the themes, sounds and movements referenced throughout the works on exhibit and was developed in close collaboration with dancers and vocalists Ana Kavalis and Citlali Huezo. los anagramas combines sound, text and choreography: transforming musical melismas into movement, dissolving syllables and fragments from the original Spanish text into extended vocalizations, with a third performer, Marjolein van der Meer, highlighting the enigmatic nature of the exhibition by interpreting the corresponding phrases in Dutch. The work concluded with a coda by Barquet, leading the audience to the final room, in a kind of ritual to animate the installation Relics (Bones, Cuts and Sinking) (for A. Barquet).

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20 September 2024. Just as the group exhibition ABOUT SHARING reflected upon the various ways of considering borders as zones of both division and exchange, of both separation and shared experience, the performances by Simon Rose and Chris Heenan for ITINERANT INTERLUDE #31 focused on finding musical expression of these very themes. The ideas and references percolating throughout the exhibition served as inspiration to be explored and translated into musical gesture through the sounds of two very bass-heavy brass instruments.

Over the course of 3 different interventions that encompassed the broad expanse of the exhibition, the musicians created 3 distinct soundscapes as they reflected upon ABOUT SHARING from a variety of different vantage points: testing out different scenarios – musically and choreographically – of being separated, coming together, sharing and separating again, while also probing the acoustics of a remarkable space. In so doing, the musicians – both virtuoso improvisers – not only availed themselves of a rich arsenal of extended techniques but also positioned themselves in counterpoint with specific works of art. Musical riffs and gestures were observed, reflected upon, shared, exchanged, and appropriated, borders were drawn and superseded.

The group show ABOUT SHARING/O DZIELENIU/VOM TEILEN was curated by Burcu Dogramaci and Marta Smolińska. Works by Taysir Batniji, Natalia Brandt, Diana Fiedler, Heike Gallmeier, Manaf Halbouni, Jerzy Hejnowicz, Celina Kanunnikava, Fabian Knecht, Simona Koch, georgia Krawiec, Paweł Kula, Ewa Kulesza, Michael Kurzwelly, Christian Manss, Silke Markefka und Nikolai Vogel, Iga Martin, Anne Peschken and Marek Pisarsky, Paul Pfarr, Sophia Pompéry, Sonia Rammer, Joachim Richau, Roland Schefferski, Vitalii Shupliak, Łukasz Skapski, Roland Stratmann, Marc Tobias Winterhagen.

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20. September 2024. So wie die Gruppenausstellung VOM TEILEN die doppelte Bedeutung des Begriffs “Teilen” als Trennung und auch als gemeinsamer Besitz und Erfahrung reflektierte, Grenzen und Grenzregionen als Trennlinie aber auch als Zone des Austauschs zu betrachten, konzentrierten sich die Performances von Simon Rose und Chris Heenan bei ITINERANT INTERLUDE #31 auf die musikalische Umsetzung eben dieser Themen. Die Ideen und Bezüge, die sich durch die gesamte Ausstellung ziehen, dienten als Inspiration für die Erkundung und Umsetzung in musikalische Form mittels der Klänge zweier sehr basslastiger Blechblasinstrumente.

Im Laufe von drei verschiedenen Interventionen in drei verschiedenen Räumen schufen die Musiker drei verschiedene Klanglandschaften, in denen sie die Ausstellung VOM TEILEN aus verschiedenen Blickwinkeln reflektierten: Sie erprobten verschiedene Szenarien – musikalisch und choreografisch – des Trennens, des Zusammenkommens, des Teilens und des wieder Getrenntseins, während sie gleichzeitig die Akustik eines bemerkenswerten Raums erprobten. Dabei bedienten sich die Musiker – beide virtuose Improvisatoren – nicht nur eines reichen Arsenals an erweiterten Techniken, sondern setzten sich auch in Kontrapunkt zu bestimmten Kunstwerken. Musikalische Riffs und Gesten wurden beobachtet, reflektiert, geteilt, ausgetauscht und angeeignet, Grenzen wurden gezogen und überwunden.

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10 January 2026. ITINERANT INTERLUDE #234. Because 2026 is Year 234 in the French Republican calendar.
les sansculottides – the days of the sans-culottes – is a performance piece by Laurie Schwartz conceived especially for Sharon Kivland’s THE BLOODY RADICALS. The work draws upon the rich tapestry of references, myths, and revolutionary ideals that animate Kivland’s latest project – not least, the radical possibility of reimagining time itself.
A few additional details to ponder, in no particular order:
– Marie Antoinette went barefoot to the guillotine. She had a model farm.
– The well-known French folksong Il pleut il pleut bergère was written by Fabre d’Eglantine in 1780.
– Fabre d’Eglantine – poet, playwright, and politician – invented the names of the months of the French Republican calendar.
– According to historical accounts, as she ascended the scaffold on her way to the guillotine, Marie Antoinette apologized for stepping on her executioner’s foot. Her reported last words were: “Pardonnez-moi, monsieur. Je ne l’ai pas fait exprès.” (“Pardon me, sir. I didn’t do that on purpose.”)
– According to legend, Fabre d’Eglantine was said to have hummed Il pleut il pleut bergère on his way to the scaffold. He also distributed his handwritten poems along the way.
– The red sash.
– Because the storm is coming. Because the storm is here.

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9 August 2025. For the finissage of Susanne Ring’s BODY STORAGE TEMPLE, Viola Yip presents “The Ombré of Touch II”, an embodied electronic performance created especially for the exhibition and featuring her self-built inflatable instrument integrated with electronics. The work explores touch as a multifaceted interface for both listening and music-making, engaging directly with the physicality of air as a sculptural and sonic medium to create a highly personal, body-responsive music.

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Anlässlich der Finissage von Susanne Rings KÖRPER SPEICHER TEMPEL präsentiert Viola Yip „The Ombré of Touch II“ – eine eigens für die Ausstellung entwickelte, verkörperte elektronische Performance. Im Zentrum steht ein aufblasbares Instrument, das sie selbst gebaut und mit Elektronik verbunden hat. Das Werk erforscht Berührung als vielschichtige Schnittstelle für Hören und Musizieren und setzt sich intensiv mit der Körperlichkeit von Luft als skulpturalem und klanglichem Medium auseinander. So entsteht eine höchst persönliche, körperlich responsive Klangperformance.

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